没想到这个题这么古老，但使用长镜头并不一直是因为艺术，相反它的诞生是因为胶片的局限性。
因为最初电影剪辑是真的剪胶片的，剪完再给它粘上，这种技法就不可能把胶片剪的太碎，要不然回来拼不上。
而且即使你捏一段，然后拼上了，但在剪的时候没办法直观看到它的动态效果，后面放映的时候真的有可能接不上，角度看起来很奇怪、动作差了几秒等等。
所以这种条件限制，导致在前期拍摄中，不仅在同一场中要尽可能的少换机位，还要有一个明显的起幅、落幅、出画、入画，给剪辑师留出冗余的时间。
例如在早期好莱坞电影，你常看到一个镜头盯着门，然后几秒钟后人走了进来，人从门出去的时候又是几秒钟后才切镜头。
这种一段时期电影的共同特性，所营造缓慢甚至有点拖沓的电影节奏，很明显就不属于导演的个人风格问题。
但随着剪辑技术上来，“胶片”可视化后，另外一个问题出现了，镜头内的场面调度少了非常多。
因为当不同长度的镜头可以灵活衔接起来，你就可以通过视角变换、肢体动作，使得观众一样能感觉到画面在动。
而在默片时代没有这种技术，如果镜头不动，演员再不走动，默片又听不到声音，那观众就只能看见隔十几秒插进的字幕画面……
你不觉得这有点像PPT吗？
所以默片时代除了让演员表情尽快夸张以外，就是强调肢体夸张、场景内走动，演员是要知道摄影机在哪，每一个动作在镜头里会呈现出一个什么样子。
但是你到现代来看，明显就不是这个样子，因为单纯的通过剪辑，就可以把演员几秒的面部表情剪切下来，并挪到一个合适的位置，演员不需要像从前那样谨慎的控制自己的步伐。
王家卫电影就是这种极其典型的制作表现，演员不知道自己在演什么，摄影也不知道自己在拍啥，导演把演员切碎了，在脑海中再组织起来。
只是王家卫的电影里，也有长镜头吧？这就是问题的关键，长镜头并不是时间的延长，而是一种以镜头时间长度为基础的制作方法论，就如我们之前说的那样。
因为单个镜头时间长了，所以你就可以通过演员活动、镜头运动、甚至场景造型，把本应该在剪辑做的东西，在前期拍摄的时候完成掉。
而王家卫电影中的镜头，即使时间拉的再长，也不是一个有意义剧情段落，只是剪辑的原始材料。
王家卫为了可以让材料达到自己想要的目的，甚至会在物理层面破坏掉切碎后镜头的连续性。
例如在把本该一秒24格的镜头长度，人为抽调几格，这样就会造成放映卡顿，而这个卡顿会在他认为重要的地方发挥作用，营造他想要的氛围。
而演员是无论如何都预料不到这种事情发生的，进而也无法对影片产生决定性影响，毕竟谁能预料到影像中不正常的自己，会在哪个片段的组合下又变得正常了呢？
如果用政体的方式来理解长镜头意义，就有点像民主和独裁的区别，长镜头是民主，蒙太奇是独裁。
但不能真的这么认为，因为关于镜头的权力运转是复杂的。
希区柯克在大制片厂时代，为了对抗制片人在剪辑中直接修改自己的影片，不会拍摄任何的多余镜头，镜头最后就只能按照预想的方式进行组接。
此时的镜头长短已经无意义了。
